Technique

This is going to be very brief.

There are often discussions about piano technique (which I am very interested to because I am willing to make good music), how to acquire it, how to practice, which exercises and so on. For me acquiring technique means to be able to make Music.  That is you cannot separate Music from technique and viceversa. Moreover I think that music suggests us the correct “mechanism” most of the time, not the opposite. To make an example if a fast piano player is unable to produce Music, he has no technique at all. This should clarify my position about those sentences which say “That guy has a great technique, but he’s not so musical”. In my opinion that guy has no technique, instead we can say that he has a great “mechanism”, nothing more, and nothing to do with the meaning I give to the term “technique” that is strictly bound to the ability of making good Music, that is producing a good “sound”.

Said that, whatever you are going to play, or practice, could be a piece, an exercise, a scale, an arpeggio, or even a single note, must be played having the will of producing music. This is, I think, the way to acquire technique, that is, again,  how to make good music. Mechanical, switched off brain practice, is not going to be useful.

Many technical/musical  problems (and not only those) originate from the brain, and not from fingers. Therefore training fingers only may not solve the problem, surely not the best and definitive way .

–Italiano–

Questo post sarà breve.

Assisto spesso a discussioni sulla tecnica pianistica (argomento che molto mi interessa, perche’ mi interessa capire come produrre buona musica), come si acquisisce, quali esercizi, come praticare. Per me acquisire la tecnica significa acquisire la capacità di fare musica. Quindi non si puo’ separare la tecnica dalla musica e viceversa. Credo inoltre che sia la musica a suggerirci il corretto meccanismo il piu’ delle volte e non il contrario. Per fare un esempio, un pianista che suona molto veloce ed e’ incapace di produrre musica per me non ha tecnica.  Questo per chiarire la mia posizione circa quelle frasi del tipo “Quella persona ha molta tecnica ma non e’ musicale”. Secondo me quella persona non ha “tecnica”, ma semmai un’ottimo “meccanismo” niente di piu’, niente a che vedere col signifcato che attribuisco alla parola “tecnica”, per me strettamente legata alla capacità di produrre buona musica e quindi, sempre un buon “suono”.

Detto questo qualsiasi cosa ci si appresti a suonare, sia esso un pezzo o una scala, un’arpeggio, un esercizio, o anche solo una singola nota dovrebbe essere fatto avendo la piena coscienza e volontà di produrre musica. Questo credo sia la giusta via per sviluppare la “tecnica” e cioe’, ancora, la capacita’ di produrre  buona musica. La pratica meccanica, a cervello spento, non credo che sia utile allo sviluppo di questa qualità.

Molti problemi tecnico/musicali (e non solo quelli) derivano dal cervello, non dalle dita. Quindi esercitare queste ultime potrebbe non risolvere la questione e, in ogni caso, non in maniera ottimale e definitiva.

Tension and release.

This is what successful communication is all about. That’s a basic principle of our life, it’s like breathing or our heartbeat. The balance of tension and release must be always respected to have the feeling of motion. Everything static will be considered boring and then not communicative after a while. This doesn’t depend on the intrinsic quality of the message. No matter if it’s beautiful, or ugly, if it’s repetitive it will rapidly loose his communicative strength. When you find something boring it’s usually because it lacks of this vital principle. It could be a speech, a lecture, a music, everything that has a “communicative” task.

Coming to improvisation, this means mastering lots of aspects. One has to learn everything and its opposite.

Know how to play many notes, but also very few, loud and soft, fast and slow, consonant and dissonant, simple and complex. Every event is perceived depending on what precedes and follows it, giving to the event itself a clear character. You enjoy silence much more after a very loud sound, rest after a hard work, and so on. Then musically speaking one has to develop a certain sensitivity about ones own playing. This implies the development of an accurate self-listening skill, while we are playing, that’s not that easy as it may seem. This is usually the teacher’s task, telling us where, when, we make mistake, being our conscience and criticism. Recording ourselves then it’s a good practice to develop a self-criticism, but you have to be honest .

Coming back to the contrasts, keeping a line very simple, for instance, on a complex chord changes progression, could be a clever choice, as well on the opposite situation. The more simple the framework the more the complexity that can be absorbed.

Looking for balance should be our main goal. Not only in music…

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Italiano

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Tensione e rilassamento.
Una comunicazione efficace si basa su questo principio.
Il concetto di tensione e rilassamento risulta essere alla base della nostra vita, cosi’ come la respirazione e il battito del nostro cuore. L’equilibrio tra tensione e rilassamento dovrebbe sempre essere rispettato per conservare quella sensazione di movimento. Tutto ciò che è statico verrà considerato noioso e quindi non comunicativo dopo un po’. Questo non dipende dalla qualità intrinseca del messaggio, non importa quanto bello o brutto, se si tratta di qualcosa di ripetitivo perderà rapidamente la sua forza comunicativa. Di solito quando si trova qualcosa noioso è perchè manca di questo vitale principio: tensione e rilassamento. Potrebbe essere un discorso, una lettura, della musica, ogni cosa abbia velleità di comunicazione.

Per quanto riguarda l’improvvisazione questo concetto implica possedere la padronanza di diversi aspetti relativi alla musica. Bisogna imparare tutto e il suo opposto. Saper suonare molte note ma anche molte poche. Saper suonare forte ma anche molto piano, molto velocemente e molto lentamente, in maniera consonante ma anche dissonante, in maniera semplice e in modo complesso. Ogni evento è percepito dall’ascoltatore in relazione a ciò che lo precede e ciò che lo segue, dando a ciascuno un chiaro intento e carattere. Aprezziamo un silenzio molto di più dopo un suono molto forte, o una pausa di riposo dopo un’intensa fatica, e così via. Musicalmente parlando è necessario sviluppare una certa sensibilità riguardo il proprio modo di suonare, questo implica lo sviluppo di un’accurato autoascolto nel momento stesso in cui suoniamo. Questo non è così semplice come potrebbe sembrare. D’ altra parte è quello che la figura del buon insegnante rappresenta, la nostra coscienza critica, quella che ci dice dove, come, quando sbagliamo.
Registrarsi è una buona pratica che aiuta a sviluppare questo senso di autocritica, cercando naturalmente di essere onesti con se stessi .

Tornando ai “contrasti”, suonare una semplice linea melodica, per esempio, su una struttura armonica complessa potrebbe essere una scelta intelligente, così come la situazione opposta. Più è semplice la cornice sulla quale improvvisiamo maggior “complessità” potrebbe essere “assorbita” dall’ ascoltatore.

La ricerca di un equilibrio dovrebbe essere il nostro principale obbiettivo. Non solo nella musica…

Learning how to improvise. Just an introduction.

Rereading the title I find it really ambitious. The following is just an introduction to a complex matter, which I try to reduce to some basic elements.

Learning is a lifetime process, in every field.

It’s important at the beginning to find a good guidance (which is far from being easy), avoiding to waste time with things like “Learn how to play, improvise, do-whatever, in ten lessons, or ten minutes-days”. This can never be true for anything, ever. Keep well in mind. Tricks of the trade must not be an escape from the real work, that does take time, patience, perseverance. Just remember the first law of thermodynamics, which states that energy is conserved, based on two postulates: energy cannot be created nor destroyed. That means also that nothing comes from nothing, and if you invest energy in something you have the chance that it will be given in return. You, of course have better chance to get better results if the efficiency of the system is higher. In a learning process this means putting oneself on the good path, studying the right things, in the right way, reading the right lectures, meeting the right people. I am sorry if some of you will find these things obvious, we sometimes forget the obvious and simpler things. So the question that comes spontaneous is “which is the right way ?“. Be patient, answers will come (some of them at least). The start of everything is usually the hardest part, because we don’t really have any knowledge nor experience about what is good and what is not. We don’t have developed yet a sense of self critique. If we don’t see any improvement, satisfactory for us at least, it’ s quite probable that we are not on the right way.

I really think anybody can learn, at different level, with satisfactory results, how to improvise. Time and discipline you are willing to dedicate will make the difference in terms of time needed to get results, as well as the quality of them. Talent also means how much you care and dedicate to any discipline with passion, besides the easiness you find in doing something, but I would give the first point more weight.

Coming to Improvisation you are required to acquire several skills. Steps to follow are the same despite the level you want to reach of course. Being extremely brief it’s a matter of:

• What
• How
• When

Usually, at first, you are worried and focused about what to play, forgetting about when and how. I think these two second points should be practiced since the beginning.

“What” means of course the “events”, the notes you are playing. In the beginning one is worried about playing tonally (here we could discuss more deeply what “playing tonally” means, but let’s go ahead for now) on a given harmonic framework, that can be a pop, rock, funky, every-label-you-like song, a Jazz standard, a classical music, a ninna nanna, everything that has a predefined harmonic structure and form. To acquire this skill theory of harmony comes to help of course. Knowing well what is closer to a certain harmonic framework, let you choose the get a bit or a lot far from a certain center of gravity, and come back home whenever you want. So besides acquiring diatonic playing, it could be nice, after a while, to start thinking chromatically. Rests must also be considered events, very important events I would remark. Tonal material is endless. Knowing the basics like scales, triads, arpeggios, is mandatory. Then everything in all kind of music literature is good, of course, patterns, licks, classical pieces, things you discover, everything you can put in your hand and mind is good of course, the more you know the wider your vocabulary, and then your choice, when it’s time to improvise-compose. There is no limit in time to increase your knowledge in this field, the only one is ourselves, as always .

“How” means, of course, how you play those events. Then dynamics (all the variations from fortissimo to pianissimo), articulation (accents, legato, staccato etc…) , and every nuance that, without changing the event, makes it sound different.

“When” is the most important skill, and I would say the more difficult to master. That means everything concerning the timing of what you play can really make the difference between a bad improvisation and a good one, despite of “what” and “how” you play.

What I have written above it’ s just an introduction on a complex matter like learning how to improvise. I haven’t mention instrumental technique that is of course another big issue, that cannot be separated from making good music, that also means making a good sound. We have indeed example in the Jazz history of some geniuses which made their lack of technique their point of strength, and distinctiveness (T. Monk), but those are rare exceptions.

I would conclude that becoming a real improviser requires a lot of knowing and technique (that doesn’t mean only playing fast) that allows you to play what is sounding in your mind a fraction of second before you put your hands on the instrument. It requires instantaneous decision making, with the risk of finding yourself in a blind alley. It will take plenty of resources to get out of it . I hope in the following post to go deep into each of the above mentioned points to give a way to practice efficiently.

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Italiano

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Imparare ad improvvisare. Solo un’introduzione

Rileggendo il titolo trovo quest’ ultimo davvero ambizioso :- ) .
Di seguito troverai solo un’ introduzione ad una materia complessa come l’ improvvisazione che cercherò di ridurre ad alcuni elementi fondamentali.

L’ apprendimento e’ un processo che dura tutta la nostra vita, in ogni campo.

Di sicuro è importante all’ inizio trovare una buona guida (cosa affatto scontata), cercando di evitare di perdere tempo con cose tipo “Imparare a suonare, improvvisare, o-quello-che-ti-pare, in 10 lezione (o peggio in 10 minuti o giorni). E’ bene tenere a mente che questo non potrà mai accadere. I trucchi del mestiere non devono essere un motivo di fuga dal vero lavoro, che richiede tempo, pazienza, perseveranza. Mi e’ sempre utile ricordare la prima legge della termodinamica, e’ cioe’ il principio di conservazione dell’energia, che si basa su due postulati: l’energia non puo’ essere creata nè distrutta. Questo significa anche che niente viene da niente, e se investi energia in qualcosa allora si ha la possbilità che parte di questa energia ci venga restituita, quanta energia dipende dall’efficienza del sistema. In un processo di apprendimento l’efficienza significa mettersi sulla giusta via, studiare le cose giuste, leggere i giusti libri, incontrare le giuste persone. Sento già alcuni di voi dire che queste cose sono ovvie, ma a volte ci dimentichiamo delle cose più ovvie e semplici. A questo punto sorge spontena la domanda “Qual è il modo corretto, la giusta via ?”. Un po’ di pazienza, le risposte arriveranno (almeno alcune di esse). L’ inizio di un processo e’ di solito la parte piu’ difficile, proprio perchè non abbiamo alcuna esperienza in merito, non sappiamo cosa è buono per noi e cosa non lo è. Non abbiamo sviluppato alcun senso di autocritica. Per quello che ha riguardato la mia esperienza, l’insoddisfazione personale può essere la nostra molla e spinta: se non vediamo alcun miglioramento dopo qualche tempo (questo può variare sensibilmente da soggetto a soggetto), che sia soddisfacente per noi, e’ probabile che non siamo sulla via giusta.

Credo che chiunque possa imparare ad improvvisare in maniera decente, a diversi livelli. La disciplina e il tempo che si è disposti a dedicare costituiranno la differenza in termini di qualità e tempo necessario ad ottenere dei risultati. Talento significa anche quanta passione e dedizione si mettono nell’affrontare un certo compito, oltre alla facilità con cui si ottengono certi risultati.

Venendo all’ improvvisazione si devono di acquisire diverse abilità. I punti che seguono dovrebbero essere comuni indipendentemente dal livello che si desidera raggiungere. In estrema sintesi l’Improvvisazione e’ una questione di:

• Cosa
• Come
• Quando

Solitamente all’inizio si è preoccupati di cosa suonare dimenticando il come e il quando. Credo che sarebbe bene avere consapevolezza di questi due ultimi punti fin da subito e introdurli nella propria pratica.

“Cosa” significa ovviamente gli “eventi”, cioe’ le note che si suonano. All’inizio si è preoccupati di suonare “tonalmente” (potremmo approfondire cosa significhi “tonalmente” ma per ora andiamo avanti), su una data base armonica appartenente allo stile che vogliamo, una canzone Pop, Rock, Funky, qualsiasi-etichetta-ti-pare, uno standard Jazz, un pezzo di musica classica, una ninna nanna , qualsiasi cosa abbia una struttura armonica e una forma predefinite. Per acquisire questa abilità è necessario conoscere la teoria sull’armonia. Sapere quali note sono piu’ vicine (“consonanti”) ad una certa struttura di
accordi. Questa consapevolezza dovrebbe dare all’ improvvisatore la libertà di scelta se e quanto allontanarsi da un “certo centro di gravità”, e tornare a “casa” quando vuole. Oltre ad acquisire abilità nel suonare “diatonico”, sarebbe opportuno dopo un po’, cominciare a pensare in maniera “cromatica”.
Le pause devono anch’esse essere considerate eventi, eventi importanti sottolinerei.

Il materiale tonale e’ infinito. Conoscere gli elementi base come le scale, le triadi, gli arpeggi è obbligatorio. Poi, qualsiasi altro elemento appartenente alla letteratura musicale di ogni genere e’ utile, patterns, frasi personali, licks, pezzi di musica classica, più materiale conosciamo più ampio sarà il vocabolario a nostra disposizione e maggior libertà di scelta avremo quando sarà il momento di improvvisare-comporre. L’ unico limite nell’acquisizione di questo materiale, come spesso accade, e’ rappresentato da noi stessi.

“Come” significa naturalmente il modo in cui gli eventi vengono suonati. Quindi la dinamica (tutte le variazione dal pianissimo al fortissimo), l’articolazione (gli accenti, il legato, lo staccato etc…), qualsiasi sfumatura, che, rimanendo invariato l’ evento, fa si’ che questo suoni in maniera differente.
“Quando” e’, a mio avviso, l’abilità più importante e direi anche la più difficile da acquisire. Tutto ciò che riguarda il “timing” con cui suoniamo i nostri eventi può davvero fare la differenza tra una buona e una cattiva (diciamo meno efficace) improvvisazione, indipendentemente dal “cosa” e dal “come”.

Quanto sopra scritto è solo un’introduzione ad una materia complessa quale e’ “imparare ad improvvisare.” Non ho menzionato gli aspetti tecnici dello strumento che costituiscono pure una parte importante e che non dovrebbero essere separati dal fare buona musica, che significa anche avere un buon suono. Abbiamo alcuni esempi nella storia del Jazz di alcuni geni che hanno fatto della loro tecnica “approssimativa” il loro punto di forza e il loro carattere unico (T. Monk), ma questi sono rare eccezioni.

Concluderei dicendo che diventare un vero improvvisatore richiede una buona dose di conoscenza e tecnica (che non significa solo suonare velocemente) che consenta di suonare ciò che abbiamo in mente una frazione di secondo prima di mettere le mani sullo strumento. Richiede la capacità di prendere decisioni istantanee con il rischio di trovarsi in vicolo cieco da cui si può uscire solo se si hanno a disposizione molte risorse.

Spero nei prossimi post di approfondire gli argomenti sopra accennati, suggerendo un modo efficiente di pratica e studio.

About improvisation

Improvisation is an impromptu composition. No editing or correction is possible.

It is born with music itself. Said that it must be a very ancient practice…

Until around 1830 most pianists were composers, they usually play their own compositions and of course they know how to improvise because they know how to compose. Improvisation was part of their performance, usually played for a few people.

As soon as “the market” required more public for a solo piano concert, a new, more powerful instrument, capable to produce a louder sound for bigger concert halls, was needed. Repertoire started to include music of other composers than the pianist himself.

The piano had to substitute the orchestra, playing like an orchestra. The instrument was “upgraded” to achieve this task. Consequently new technical skills were needed, to express all these textures and power as well as the acquisition of new demanding repertoire. Piano recital was going to born and his protagonist: the pianist-interpreter as we know today. I guess this is the time when improvisation practice was about to die . There were just not enough time and resources for the pianist-interpreter to deeply study composition, his main goal was to refine his technique at the best, striving for perfection.

Then what was a natural practice became optional, and sometimes associated with a bad habit that takes away the student from his “right” work at the instrument.

Jazz (afroamerican music) rediscovered improvisation, making it its central core, bringing it back to public, so is rooted in many people the idea that one that is improvising is playing jazz. Jazz is just a dialect that speaks music taken from the European culture, with is own distinctive, peculiar features like accents, rhythm, emphasis to the weak beats, etc…

This just to say that music is only one but there are many ways to express and communicate concepts and ideas, as well as there are so many dialects and spoken languages. Ideas don’t change if you express them in whatever language you choose.

The more you know the language, the better are your chances to be understood and your message (if you have one) to get delivered. Talent means passion, and attitude to study. Improvisation cannot be improvised.

I hope improvisation will get again the place it deserves.

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Italiano

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L’ improvvisazione e’ una composizione estemporanea senza possibilita’ di correzione.

E’ nata con la nascita della musica stessa, quindi deve essere una pratica piuttosto antica. .

Fino a circa il 1830 i pianisti erano per lo piu’ anche compositori. Suonavano solitamente le loro composizioni e naturalmente potevano improvvisare poiche’ sapevano comporre. L’ improvvisazione era parte della loro performance, che veniva eseguita di fronte a poche persone, magari su temi da loro suggeriti.

Si faceva strada l’ idea di proporre altre musiche oltre quelle del compositore stesso, perche’ questo il “mercato” cominciava a chiedere. Fu progettato uno strumento in grado di produrre piu’ volume di suono, che potesse riempire le grandi sale, sostituirsi in qualche modo all’orchestra ed essere suonato come un’orchestra.

Di conseguenza il pianista doveva affrontare nuove sfide sia in termini tecnici che di acquisizione di nuovo repertorio che non fossero solo le sue composizioni. Era nato il piano recital, concerti per piano solo tenuti in grandi sale in grado di richiamare molto pubblico. Contemporaneamente andava forgiandosi il suo protagonista: il pianista-interprete, cosi’ come lo conosciamo oggi. Credo che questo fu l’ inizio della fine della pratica dell’ improvvisazione. La nuova figura del pianista-interprete, al quale veniva richiesta perfezione esecutiva e virtuosismo, non aveva piu’ il tempo necessario per dedicarsi intensamente allo studio della composizione, essendo il suo obbiettivo principale quello di affinare al meglio la tecnica e l’ espressione musicale. Cio’ che era stata una pratica abituale divenne opzionale, e spesso associata a cattive abitudini che distoglievano lo studente dal suo corretto lavoro allo strumento.

Il Jazz (musica afroamericana) riscopri’ l’ improvvisazione riportandola al grande pubblico. Questo ha fatto radicare l’ idea che chiunque improvvisi stia in qualche modo suonando in stile Jazz. Il Jazz e’ solo un dialetto che parla musica presa dalla tradizione europea, con le sue distintive inflessioni e accenti, il ritmo, l’ enfasi delle misure deboli, etc…

Questo solo per dire che il contenuto musicale e’ uno ed uno soltanto, e che questo puo’ essere espresso in diversi modi, cosi’ come diversi sono gli idiomi del linguaggio verbale. La forma non dovrebbe cambiare il contenuto.

Maggiore e’ la conoscenza e padronanza del linguaggio, maggiori sono le possibilita’ che il messaggio che si vuole trasmettere venga capito. Il talento significa anche e soprattutto passione e attitudine allo studio. L’ improvvisazione non si improvvisa.

Spero che l’ improvvisazione riguadagni il posto che merita.